Распространенные ошибки аранжировщиков
Online-студия создания и редакции музыки A.S.Workshop

Распространенные ошибки аранжировщиков

Данная статья посвящена рассмотрению самых распространенных ошибок, которые допускают начинающие композиторы, создавая музыку/аранжировки для симфонического оркестра. Однако ошибки, о которых пойдет речь, довольно распространены не только в симфонической музыке, но и в аранжировках поп-, рок-музыки и т. д.

Существует две группы ошибок, характерных для композиторов:

  1. 1.Первая группа обусловлена недостатком знаний и опыта. Эту проблему легко решить.
  2. 2.Вторая группа является результатом недостатка жизненного опыта и несформированного вкуса. Этот фактор сложно объяснить, но зачастую он играет даже более важную роль, чем обучение.

Об этом мы поговорим ниже.

Итак, разберем основные ошибки, заслуживающие особого внимания.

1. Неосознанное заимствование

Неосознанное заимствование можно еще назвать непреднамеренным плагиатом. С этой ошибкой сталкиваются практически все. Чтобы решить эту проблему, следует слушать как можно больше разнообразной музыки. Зачастую прослушивание одного композитора или исполнителя оказывает сильное влияние на вас, возникает тесная связь между вами и элементами музыки.

Однако если вы слушаете достаточное количеств разных композиторов и музыкальных групп, то вы не будете неосознанно копировать их, а будете писать свой уникальный материал. Заимствования могут вам помогать, но они не должны делать из вас копию какого-то другого композитора.

2.Отсутствие баланса

Написать сбалансированную аранжировку довольно сложно. Изучение инструментовки подразумевает рассмотрение звучности каждой группы оркестра при сопоставлении с другими. Для каждого многослойного созвучия обязательным условием является знание динамики отдельных инструментов.

Написание аккорда для трех труб и одной флейты не имеет никакого смысла, так как флейта не будет различима даже в средней динамике трех труб. Можно выделить много таких моментов. К примеру, флейта пикколо способна пробивать целый оркестр. Профессионализм в значительной мере повышается с опытом, но знания имеют большое значение.

Кроме того, очень важно уметь правильно подбирать фактуру, поскольку сцепление, наслоение, наложение и обрамление при присутствии одних и тех же инструментов нуждаются в разной динамике. Это утверждение справедливо не только для оркестра. В случае насыщенной рок- и поп-аранжировки также нужно учитывать этот фактор, а не рассчитывать на сведение.

Зачастую качественная аранжировка может спокойно обойтись без вмешательства специалиста по сведению.

3. Скучные текстуры

Однотипные текстуры в течение большого отрезка времени нагоняют скуку на слушателя. Если прислушаться к партитурам профессионалов, то часто можно увидеть, что каждый такт вносятся какие-то изменения в оркестр, которые по-новому его окрашивают. Весьма редко для исполнения мелодии используется один инструмент. Постоянно добавляются дублирования, меняются тембры и т. д.

Чтобы не допустить однообразия, изучайте чужие аранжировки и анализируйте увиденные в них приемы.

4. Лишние усилия

Речь идет об необычных приемах игры, для использования которых от исполнителя требуется максимальная концентрация. Зачастую более простые приемы помогают получить более благозвучную аранжировку. Редкие приемы целесообразно использовать тогда, когда это оправдано, иными словами, если нужного эмоционального эффекта невозможно добиться никаким другим способом.

Безусловно, прославленные композиторы используют все предельные возможности оркестра, но, сколько нервов это ему стоит. Золотое правило — чем проще, тем лучше. Если вы все-таки тяготеете к авангарду, сначала попробуйте найти оркестр, который захочет и сможет это сыграть.

5. Отсутствие эмоций и интеллектуальная наполненность

Я постоянно повторяю, что ключевую роль играет баланс. Ваша музыка будет обладать интеллектуальной и эмоциональной глубиной только в том случае, если вы будете жить интересной и насыщенной жизнью.

Практически все композиторы много времени уделяли путешествиям и активно участвовали в общественной жизни. Где вы будете брать новые идеи, если вся ваша жизнь сосредоточена в четырех стенах? Интеллектуальный фактор подразумевает отражение вашего мировоззрения в вашей музыке.

Изучайте философию, эзотерику и смежные дисциплины — это поможет вам развиваться в творческом плане. Создавать великую музыку может только человек с великой душой. Для написания музыки недостаточно обучиться этому. Большое значение имеет умение общаться с людьми и окружающей средой.

6. Истерия и интеллектуальная перегруженность

Излишек чувств или холодной интеллектуальности не приводят ни к чему хорошему. В музыку нужно вкладывать эмоции, контролируемые разумом. Иначе вы потеряете саму суть музыкального искусства.

7. Использование шаблонов

Творчество погибает там, где применяются устоявшиеся штампы, клише и т. п. Используя все это, вы уподобляетесь автоаранжировщику. Вы должны стремиться сделать уникальной каждую свою работу, отразить в ней свою индивидуальность. Это касается и аранжировки поп-песни. Поэтому вам следует постоянно искать новые приемы, скрещивать стили и не допускать повторений.

Шаблоны с хорошим звучанием могут, конечно, сослужить добрую службу, но в результате вы можете потерять свое я.

8. Незнание инструментов

Не редко встречается неправильное использование диапазонов инструментов. Не ориентируясь в техниках, вы можете написать партии, которые музыканты просто не смогут исполнить.

Стоит обратить внимание и на тот факт, что удачно написанная партия имеет хорошее звучание даже при её исполнении виртуальными инструментами, тогда как партии, при написании которых не учитывалась специфика инструмента, даже при живом исполнении будут звучать неубедительно.

Профессиональному музыканту достаточно просто взглянуть на ноты, чтобы понять, насколько совместима эта партия с его инструментом. Иными словами, большую часть партий можно сыграть, однако они могут быть настолько неудобными, что учить их бессмысленно, или написанными так, что даже при исполнении, например на гитаре их звучание будет напоминать другой инструмент.

Во избежание этого следует внимательно прислушиваться к сольным произведениям для инструментов, с которыми вы работаете. Оптимальный вариант — освоить базовые приемы игры. Вы также можете советоваться с солистом, показывая ему свои наработки.

Это поможет вам довольно быстро научиться писать удобные партии, которые можно играть. При написании для сессионных музыкантов большое значение имеет то, насколько легко ваши партии играются с листа или как быстро они снимаются.

9. Партитуры с искусственным звучанием

Так как большая часть авторов работает на компьютере с виртуальными инструментами, очень важно добиться реалистичного звучания ваших аранжировок практически без исправлений. Как уже говорилось выше, хорошо написанные партии отличаются хорошим звучанием даже при воспроизведении компьютером. Это утверждение справедливо и для рок-группы, и для полного симфонического оркестра.

Вы должны стремиться добиться такого эффекта, при котором слушатель не думал бы, звучит ли оркестр механично или программные ли барабаны. Безусловно, внимательно прислушиваясь, можно легко понять, живое это выступление или программное.

Руки и уши — ваши главные помощники.

arrang - 518 px ASW

______________________

При копировании материала ссылка на сайт www.as-workshop.ru обязательна!

 

Внимание!

Баннер ASW-3